Gastspiele

mit den Teilnehmern:

Ekaterina Klementeva, Inna Danilova, Olga Koldakova, Ruben Sushardzhan (Russland), Barbara Schilstra, Violetta Lazin (Holland), Kersti Ala-Murr (Estland), Flaminia Crisu (Rumänien), Eunsil Kang (Südkorea), Jie Yin (China), Rannveig Thorarins (Island), Nikolas Teich (Österreich)


Special guests:

Catarina Coresi und Csaba Fazekas
mit Szenen aus Gräfin Mariza von Em. Kálmán


Am Klavier: Mag. Ana Craciun


Auf dem Programm stehen Lieder und Arien von
J. S. Bach, W.A. Mozart, G. Verdi, R. Wagner, G. Puccini, P.I. Tschaikowsky, G. C. Menotti, u.a.



Leitung:

Prof. Dr. Theodore Coresi

"Pușlamua" este povestea tulburătoare a unei adolescente care face "greșeala" să năzuiască spre ceva, să-și plămădească vise existențiale într-o lume lipsită de coordonate umane, de înțelegere, de tandrețe, de apropiere sufletească sau întrajutorare. Și astfel asistăm la un autodafe. Căci micuța pușlama, coborătă parcă din poezia unui Saint-Exupery, se biciuiește pe sine cu ironie, se pedepsește intransigent și cu sarcasm pentru îndrăzneala avută de a fi visat, de a fi crezut că în spectacolul lumii la care ia parte, ar chema-o "Alice" iar țara ar fi "cea a minunilor". Realitatea de zi cu zi întunecă cu cinism acest orizont. Răspunzători pentru eșecul unui vis suntem cu toții, chiar dacă el ar fi numai al ei. Pentru că noi țesem plasa în care visul ei s-a plămădit, pentru că noi acceptăm că în locul în care trăim s-ar putea aspira și tot noi suntem aceia care întoarcem capul și privim laș în altă parte atunci cănd ni se cere ajutorul. Povestea scrisă cu mănă sigură, în tușe puternice, cu un conflict dinamitard, se așează hotărăt, plumb greu și dureros, în conștiințe, cerăndu-ne reflecție și participare. Un text dramatic care ridică ștacheta mișcării teatrale romănești periculos de sus.



Cu / Mit:

Anca Sigartău



Regia / Regie - Dan Tudor

Synopsis:

Der 30-jährige Füsilier Franz Woyzeck, der unter der Obrigkeit seines Hauptmanns lebt und Versuchs- und Studienobjekt eines Doktors ist, teilt ein uneheliches Nest mit der freizügigen Marie, die als Sexsymbol des kleinen, tristen und unbedeutsamen Orts anerkannt ist .
Nachdem er das Verhältnis Maries mit dem Tambourmajor entdeckt, und sie beim gemeinsamen Liebesspiel beobachtet, stellt er alle moralischen Gesetze in Frage, verabschiedet sich von gesellschaftlicher Lehre und allen Anweisungen, und übt Selbstjustiz, indem er Marie umbringt.

Gibt es eine Kluft zwischen Moral und Natur?!
Haben wir die Einheit des menschlichen Wesens noch nicht verstanden?
Sind wir verdammt, ein zerrissenes Gewissen ewig mitzutragen?


Besetzung:

Woyzeck - Cristian Gheorghe
Arzt - Vlad Vasiliu
Andres - Vasile Danila
Marie - Cristina Uja
Margret - Elena Negoita
Hauptmann - Lucian Pinzaru
Tambourmajor - Florin Toma



Regie & Ausstattung - Geirun Tino

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Sinopsis:

Scrisa acum aproape 200 de ani, Wozyeck face parte din categoria pieselor de teatru care rămăn perene, tinere şi tensionate. Este povestea soldatului Wozyeck, povestea unui om obişnuit, primul antierou, care îşi împarte existenţa între o iubire adăncă şi pură şi un umilitor serviciu cazon. Drama se declanşează din clipa în care Marie, ibovnica cu care împarte demult aşternutul şi care îi jurase credinţă şi iubire îl înşeală cu un chipeş Tambur major întălnit întămplător.
Este momentul în care normele morale sunt puse sub semnulîntrebării, credinţa in familie şi în oameni se diluează pănă la dispariţie, iubirea şi respectul se întinesc cu ură şi durere. Legile cetăţii vor fi părăsite şi bravul, de pănă acum soldat Wozyeck, va încerca prin crimă să îşi regăsească echilibrul.


Distribuţia:

Woyzeck - Cristian Gheorghe
Doctorul - Vlad Vasiliu
Andres - Vasile Danila
Marie - Cristina Uja
Margret - Elena Negoita
Căpitanul - Lucian Pinzaru
Tamburul major - Florin Toma


Scenografia şi Regia - Geirun Tino

Die große rumänische Schauspielerin Adriana Trandafir verkörpert auf sehr fesselnde Weise die noch heute - nicht zuletzt in Rumänien - sehr veehrte Chansonnière und Volksliedinterpretin Maria Tanase.


Besetzung:

Maria Tanase - Adriana Trandafir

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Maria Tănase este una dintre vocile de referință ale muzicii românești. Născută în mahalaua Cărămidarilor din București, Maria Tănase a debutat la vârsta de opt ani pe scena căminului cultural din Calea Piscului. De-a lungul carierei sale, a colaborat cu Radio România, cu casa de discuri Electrecord, cu Teatrul Municipal, dar a cântat și în numeroase restaurante și localuri bucureștene ale vremii. "Cine iubește și lasă", "Mărie și Mărioară", "Mi-am pus busuioc în păr", "Lume, lume", "Ciuleandra" sunt doar câteva dintre cele aproape 400 de cântece din repertoriul artistei supranumite de către Nicolae Iorga "pasărea măiastra".

Copil fiind, Adriana Trandafir a avut ocazia să o întâlnească pe Maria Tănase, cu prilejul unui recital susținut de aceasta la căminul cultural din satul natal al actriței. "Din acea clipă mi-am zis: dacă Dumnezeu mă iubeşte cu adevărat o să-mi dea şi mie măcar odată posibilitatea să fiu pe scenă, să primesc flori şi să fiu aplaudată", spune Adriana Trandafir într-un interviu acordat anul acesta săptămânalului "Foaia românească". În 1987, actrița, angajată pe atunci la Teatrul Odeon, concepe ceea ce avea să devină cel mai longeviv one-woman show din teatrul românesc – "Pasărea măiastră, Maria Tănase", un spectacol care prezintă viața personală a cântăreței, cu aspectele mai puțin cunoscute publicului. "Este un exerciţiu", afirmă Adriana Trandafir, "pentru că nu mi-am propus să fiu nici mai bună decât ea, nici să arăt că pot să cânt mai bine". Acest "exercițiu" i-a adus actriței numeroase premii și a fost prezentat în turnee în țară și în străinătate.



Distribuţia:

Maria Tanase - Adriana Trandafir

11 ist angesagt !!! 11 Musiker spielen 11 Lieder, davon einige im 11/8 bzw. 11/16 - Takt, das 11te und letzte Lied sollte ca. 11 Minuten dauern. Das Ganze findet statt am 11.11.'11!

Ein SPECIAL.ELEVEN.EVENT mit einer EXTRA.ELF!

Diese besteht aus einem vielversprechenden jungen klassischen Streichquartett, das aus Studierenden der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien besteht. Die vier versierten MusikerInnen spielen schon seit einigen Jahren zusammen, was ihnen die Möglichkeit gibt, sehr intensiv auf Dynamik, Klang und Musikalität hinzuarbeiten.
Die Ergebnisse sind mehrere nationale und internationale Auszeichnungen. Es handelt sich um das "Giocoso String Quartet" aus Rumänien.

Außerdem präsentiert der Gastgeber, Adrian Gaspar, an diesem speziellen Abend eines seiner jüngsten Projekte:
die sechs-köpfige Formation "Hot Club de Gaspar", eine Art Hommage an Django Reinhardt, der als Begründer des Europäischen Jazz gilt. Man möchte mit dieser jungen europäischen Band daran anknüpfen, und die Musik der Roma und Sinti in einer neuen Art und Weise fortführen.

An diesem letzten Abend im Rahmen der Konzertreihe "Adrian Gaspar & Gäste" wird ein SPECIAL.GUEST begrüßt, der speziell für diesen Event aus Barcelona, Spanien, eingeflogen wird. Der 11te im Bunde ist den Kennern sehr wohl bekannt, OSCAR ANTOLÍ!

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Line-Up:

< Giocoso String Quartet >

Georgiana Muraru | violine I
Justin Todica | violine II
Adrian Stanciu | viola
Alexandru Spatarelu | violoncello



< Hot Club de Gaspar >

Richard Köster | trumpet & fluegel horn
Pavel Gric | soprano/alto/tenor saxophone & flute
Adrian C. Gaspar | piano & keyboards
Marko Ferlan | electric guitar
Benjamin Labschütz | acoustic & electric bass
Moritz Labschütz | drums & percussion



& as our SPECIAL.GUEST:

OSCAR ANTOLÍ | clarinet & bass clarinet

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Reservierungen unter + 43 / 1 / 929 43 43 oder unter info@pygmaliontheater.at


-- Adrian Gaspar --

mobile: +43/699/10083313
e.mail: office@adriangaspar.at
web: www.adriangaspar.at
web: www.facebook.com/adriangaspar

"Vacanta in Guadelupa" este o comedie bulevardiera, excelent scrisa si magistral jucata, despre lucruri care se intampla la fiecare pas, cu care ne-am invatat, pe care le vedem pe mai toate posturile de televiziune, intr-un cuvant, o satira acida despre situatia politica a Frantei si care nu are, fireste, nici o legatura cu viata politica din Romania!!! Intamplari verosimile, dar (ne)adevarate, incurcaturi, vorbe de saga, doamne invesmantate elegant, domni cu tinuta, dar care se cam dau in stamba. Un spectacol cu mult haz de necaz, pe care nu trebuie sa-l ratati si pe care, sigur, il veti recomanda si prietenilor, rudelor, cunoscutilor.

Regizoarea Diana Lupescu declara: "Cautam un text pentru o noua montare. Voiam o comedie, ceva care sa relaxeze, sa ne scoata din tensiune si stress... Televizorul era deschis… Citeam un volum de teatru francez contemporan, aparut la noi in 1996. La un moment dat, replicile din piesa si comentariile TV sunau la fel. Am avut un soc. M-am oprit o clipa, am verificat ca ceea ce citesc este un text frantuzesc, tradus, la noi, in '96. Am reluat lectura de la capat si nu m-am mai oprit pana la sfarsit. Era textul pe care-l cautam. Era de ras? Era de plans? E riscant sa montezi un astfel de spectacol acum, cand traim intr-o perioada politica absurda?"

Distribuția:

Ministrul (Bertrand Guéraud) - Mircea DIACONU / Adrian VANCICA
Deputatul (Antoine Bouladon) - Ion HAIDUC / Constantin COTIMANIS
Sotia Ministrului (Pauline) - Crenguta HARITON
Secretarul (Thibaut de Charmelant) - Dani POPESCU
Atasata de presa (Agathe Mareuil) - Ada NAVROT
Ziarista (Nathalie Klein) - Corina DRAGOMIR



Regia - Diana LUPESCU

Durata: 2h (fără pauză)

Adrian Gaspar & Gäste | 2011

ROMANIAN.PROJECT ist ein Duo bestehend aus dem rumänischen Jazz-Saxophonisten Lucian Nagy und dem in Wien lebenden österreichisch-rumänischen Komponisten und Pianisten Adrian Gaspar.

Nachdem sich die beiden in Wien zufällig kennenlernen beschließen sie, irgendwann einmal gemeinsam zu musizieren. Kurz darauf ergibt sich die Möglichkeit, den Ausnahme-Saxofonisten aus Arad (ROM) für die in Wien abgehaltene Konzertreihe Adrian Gaspar & Gäste einzuladen. Eine schöne Gelegenheit, um ein neues Duo-Projekt anzugehen, das die gemeinsame Herkunft und den gemeinsamen musikalischen Hintergrund der beiden Musiker zur Grundlage nimmt.

Innerhalb einer kleinen Österreich-Rumänien-Tour wird rumänische Folklore auf internationalen Jazz inklusive einiger ausgearbeiteter Eigenkompositionen treffen, die allesamt individuell arrangiert und improvisiert werden.



Besetzung:

Adrian Gaspar - Piano / Keyboard
Lucian Nagy - Saxophon / Klarinette / sonstige Holzblasinstrumente



-- Adrian Gaspar --
mobile: +43/699/10083313
e.mail: office@adriangaspar.at
web: www.adriangaspar.at
web: www.facebook.com/adriangaspar

GASPAR.GIECK.TRAUNMÜLLER | TRIO.PROJECT

adrian c. gaspar | piano
sebastian gieck | acoustic & electric bass
peter traunmüller | drums

Treffen sich drei Musiker bei 'ner Session, sagt der eine: "Wollen wir spielen?", sagen die anderen: "Sicher!"

Was anscheinend wie ein Witz beginnt, ist mehr oder weniger die Zusammenfassung der nicht allzu langen Geschichte dieses Trios. Drei junge Jazzmusiker aus drei verschiedenen Herkunftsländern, tätig in drei verschiedenen Musikmetropolen, treffen sich, wie es der Zufall will, in München.

Nachdem bei einer Jam Session gespielt wurde, beschloss man, dies zu wiederholen, was nun, am 25. September 2011, im PYGMALION Theater in Wien passieren wird.

Synopsis:

Der 30-jährige Füsilier Franz Woyzeck, der unter der Obrigkeit seines Hauptmanns lebt und Versuchs- und Studienobjekt eines Doktors ist, teilt ein uneheliches Nest mit der freizügigen Marie, die als Sexsymbol des kleinen, tristen und unbedeutsamen Orts anerkannt ist .
Nachdem er das Verhältnis Maries mit dem Tambourmajor entdeckt, und sie beim gemeinsamen Liebesspiel beobachtet, stellt er alle moralischen Gesetze in Frage, verabschiedet sich von gesellschaftlicher Lehre und allen Anweisungen, und übt Selbstjustiz, indem er Marie umbringt.

Gibt es eine Kluft zwischen Moral und Natur?!
Haben wir die Einheit des menschlichen Wesens noch nicht verstanden?
Sind wir verdammt, ein zerrissenes Gewissen ewig mitzutragen?


Besetzung:

Woyzeck - Cristian Gheorghe
Arzt - Vlad Vasiliu
Andres - Vasile Danila
Marie - Cristina Uja
Margret - Elena Negoita
Hauptmann - Lucian Pinzaru
Tambourmajor - Florin Toma



Regie & Ausstattung - Geirun Tino

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Sinopsis:

Scrisa acum aproape 200 de ani, Wozyeck face parte din categoria pieselor de teatru care rămăn perene, tinere şi tensionate. Este povestea soldatului Wozyeck, povestea unui om obişnuit, primul antierou, care îşi împarte existenţa între o iubire adăncă şi pură şi un umilitor serviciu cazon. Drama se declanşează din clipa în care Marie, ibovnica cu care împarte demult aşternutul şi care îi jurase credinţă şi iubire îl înşeală cu un chipeş Tambur major întălnit întămplător.
Este momentul în care normele morale sunt puse sub semnulîntrebării, credinţa in familie şi în oameni se diluează pănă la dispariţie, iubirea şi respectul se întinesc cu ură şi durere. Legile cetăţii vor fi părăsite şi bravul, de pănă acum soldat Wozyeck, va încerca prin crimă să îşi regăsească echilibrul.


Distribuţia:

Woyzeck - Cristian Gheorghe
Doctorul - Vlad Vasiliu
Andres - Vasile Danila
Marie - Cristina Uja
Margret - Elena Negoita
Căpitanul - Lucian Pinzaru
Tamburul major - Florin Toma


Scenografia şi Regia - Geirun Tino

Metoda von Jordi Galcerán

O compania suedeză, recunoscută pe plan internaţional, trebuie să angajeze o persoană care să se alăture echipei sale, într-o poziţie cu mare responsabilitate. Condiţiile de muncă şi renumeraţia oferită sunt foarte atractive. Începutul piesei ne plasează într-o cameră în care apar, treptat, patru persoane. Au fost selectate pentru interviul cu un reprezentant al companiei. Însă, imediat se insinuează ideea că metoda de intervievare este una neobişnuită.
Timpul trece, candidaţii sunt singuri şi nimeni nu vine să le spună cum se va desfăşura selecţia. Mai mult, ei realizează că sunt într-o camera izolată, din care nu mai pot pleca. Candidaţii îşi dau seama că cineva din afara camerei îi urmăreşte pentru a afla care este persoana potrivită pentru ocuparea postului disponibil.
 De asemenea, sunt supuşi unei serii de teste debusolante la început. Fiecare concurent trebuie să-şi demonstreze abilităţile, în funcţie de acestea fiind eliminaţi unul câte unul, cel care va rezista până la final primind slujba. Astfel, întâlnirea dintre cei patru, pe fondul presiunii grele, va deveni oglinda în care personajele îşi reflectă umanitatea, empatia, insensibilitatea sau intoleranţa. La final, însă, spre deosebire de ceea ce ne-am imaginat, ceea ce părea să fie nu a fost aşa...

Distribuția:

Fernando - Adrian Văncică
Enrique - Alexandru Jitea
Carlos - Gabriel Răuţă
Mercedes - Cerasela Iosifescu



Regia - Theodor Cristian Popescu
Durata: 1h 40' (fără pauză)

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Secundului unui artist mit Mircea Diaconu

Mircea Diaconu, personalitate complexă a spatiului cultural romănesc, scapă mereu din tiparele unui format. Actor, literat, om politic, director de teatru, cozeur, il intălnim pretutindeni in peisajul spiritual romănesc, innobilindu-l. Teatrul "Nottara" cu care se identifică de aproape un deceniu, vă propune in colaborare cu Teatrul "Pygmalion" din Viena o "intălnire de suflet" in care umorul, poezia, povestea secundelor unui artist, să se intrupeze in fata Dvs. intr-un dialog autentic si cuceritor, la fel ca intotdeauna cănd Omul si Actorul Mircea Diaconu isi intălneste Publicul. Vă propunem un amalgam scenic, o mixtură emotională, care adună amintiri din viata de actor, mărturii biografice, fragmente poetice si dramatice, toate impănate cu umor, cu inocenta si cu căldura unui suflet de copil.
Spectacolul propane un spatiu deschis in care dialogul cu Dvs. este cu bucurie asteptat, in care interventiile Dvs. pot naste punti noi si dorite intre sală si scenă.

Zum Autor:

Benjamin Jonson war ein englischer Dramatiker, Dichter und Schauspieler der Renaissance, sowie Zeitgenosse William Shakespeares, und am besten bekannt für seine satirischen Stücke, besonders Volpone, The Alchemist und Bartholomew Fair, sowie für seine Lyrik.
Als Mann von substanzieller Bildung und unersättlichem Appetit nach Kontroversen hatte er großen Einfluss vor allem auf englische Autoren und Dichter zur Zeit der Regenten Jakob I. und Karl I.



Stückbeschreibung:

Volpone (der Fuchs) ist ein reicher venezianischer Kaufmann. Er mehrt sein Vermögen durch Betrug und mit Hilfe seines Dieners Mosca (der Fliege). Gemeinsam bereichern sie sich an den Erbschleichern: dem Advokaten Voltore (dem Geier), dem Kaufmann Corvino (dem Habicht) und dem alten Corbaccio (der Krähe). Dazu mimt Volpone vor diesen Männern den Kranken, und sucht sie von seinem baldigen Tod zu überzeugen, während er kerngesund ist.
Eines Tages jedoch treiben Volpone und Mosca ihre Spielchen zu weit: Erstens will Volpone mit Celia, der Gattin Corvinos, schlafen. Mosca überredet Corvino, seine Frau der "Heilung" Volpones zur Verfügung zu stellen. So könne das Testament mit Corvino als Alleinerbe aufgesetzt werden, bevor Volpone stirbt. Zweitens überredet Mosca Corbaccio, seinen Sohn Bonario zu enterben und seinen Besitz stattdessen Volpone zukommen zu lassen. Mosca will Bonario quälen, und bringt ihn in Volpones Haus, um ihn Zeuge seiner Enterbung werden zu lassen. Weil Corvino und Celia zu früh kommen, schickt Mosca Bonario in die Bibliothek, damit sich Volpone ungestört der Gattin Corvinos widmen kann. Da Bonario Mosca aber nicht vertraut, versteckt er sich stattdessen, um zu lauschen.
Währenddessen lassen Mosca und Corvino Celia bei Volpone zurück: Volpone stellt sich nun nicht mehr krank und will Celia verführen. Als diese sich weigert, versucht er, sie zu vergewaltigen. Bonario rettet sie jedoch und droht Volpone mit der Anklage vor Gericht. Volpone wird gemeinsam von Bonario und Celia verklagt, um dessen Intrigen auffliegen zu lassen. Volpone, Mosca und alle anderen widersprechen vor Gericht jedoch den Aussagen Bonarios und Celias.
Wird es dem jungen Paar gelingen, Volpones Machenschaften zu durchkreuzen? Oder werden sich die Lügen durchsetzen? Durch die geschickten Betrügereien und der Gier nach Geld ist der Ausgang des Gerichtsverfahrens mehr als ungewiss...

Besetzung:

Christina Berzaczy
Anita Bock
Katharina Flicker
Arno Knapp
Gabriele Truskawetz

Regie: Eva-Maria Hrica


Termine:

Mittwoch, 25. Mai 2011
Donnerstag, 26. Mai 2011
Freitag, 27. Mai 2011
Montag, 6. Juni 2011
Dienstag, 7. Juni 2011
Mittwoch, 8. Juni 2011
Mittwoch, 15. Juni 2011
Donnerstag, 16. Juni 2011 und
Freitag, 17. Juni 2011


Weitere Informationen unter www.nonnobis.at

Kleist in meiner Küche von Miriam Sachs

"Ein ganz normaler Alltag im Leben einer Literaturstudentin: Zweifel an der Studienwahl, Geldnöte, Nächte mit Filmriß, eine verflossene Liebe und die notgedrungene Lektüre von Kleists "Penthesilea".


Eines Morgens trifft sie unerklärlicherweise in ihrer eigenen Küche auf den vor 200 Jahren verstorbenen Dichter.
Der bleibt, raucht, blockiert das Badezimmer, zahlt keine Miete und ist selbst in Sachen Seminararbeit keine wirkliche Hilfe. Immerhin schreibt er, paßt sich erstaunlich gut dem Leben in der heutigen Zeit an, und arbeitet an einem geheimnisvolles "Projekt".
Die Protagonistin wiederum entdeckt die Besonderheit und Zeitlosigkeit von Kleists Werken, wobei das WG-Leben mit ihm diese Erkenntnis nicht unbedingt leichter macht.


Der Roman: "Kleist in meiner Küche" (von Miriam Sachs) erschien 2010 im Verlag des Kleist Archives.
Die Bühnenfassung des Romans wird nun als URAUFFÜHRUNG in Wien gezeigt.
Die Autorin und Schauspielerin Miriam Sachs wird als die besagte Studentin in einer animierten Trickfilmrealität neben Heinrich von Kleist sichtbar.
Szenischer Bestandteil sind Trickfilmelemente, die den Dichter Kleist auch auf visuelle Weise in die heutige Zeit und ein ganz neues Medium versetzen.


Inszenierung: Puppet Holding/Berlin in Zusammenarbeit mit der Regisseurin Eva Jankovsky (theater-JA.KOMM)

mit Miriam Sachs und Leo Solter

Trickfilme/Bühnenprojektion: Miriam Sachs

Weitere Infos unter
http://www.kulturstiftung-des-bundes.de/cms/de/programme/kleist_jahr_2011/neunmal_kleist.html

Pentatonica aus Bacãu, Rumänien

Tournee 2010 "Rainbow of Sounds"
MUSIKALISCHER REGENBOGEN

Programmüberblick

I . Westlicher Klang

1. Advent im Alpenland
2. Kanon in D (J. Pachelbel) – die deutsche Seele
3. Sous le ciel de Paris (Hubert Giraud) – franzosisches Flair
4. España Cañi ("Gypsy Spain" – Pasqual Marquina Narro)
5. Celtic Flair – irische Volkslieder
6. La Tarantella Napoletana – sizilianische traditionelle Tänze
7. Remember Israel – "Jerusalem of Gold" und drei Psalmen
8. Rumänische Tänze – Bela Bartok

PAUSE

II. Zwischen Baikal und Schwarzem Meer...mit argentinischem Touch

1. From Russia with love – russische Baladen
2. Mocirita cu trifoi – volkstümlich, Bearbeitung Gheorghe Zamfir
3. Porträt Piazolla : Oblivion und Tango Nuevo (Astor Piazolla)
4. Ungarische Suite – berühmteste Zigeunerlieder
5. Sârba în Caruta – rumänische Hochzeitslieder
6. Christmas Time – Potpourri
7. Zwischen Großkarpaten und Donaudelta – kurze musikalische Reise!

Info: als Zugabe haben wir "Die Lerche" und "Der einsame Hirte" vorbereitet

Besetzung:
Panflöte: Valdislav Panush
Klarinette: Gherghelas Gabriel
Cello: Alexandra Elefterescu
Kontrabass: Florin Lungu
Klavier: Aber Corban
Violine: Mihai Ghergehals - künstlerischer Leiter


Kontaktperson EUROPAHAUS PULKAU:
Jerome Ciceu 0664/4016867 / jerome.c@aon.at



Eintrittspreise:

Erwachsene EUR 15,-
Ermäßigung EUR 9,-
(für Schüler, Studenten)

Im Testament bestimmt Alfons, dass seine Frau mit einem Pfarrer und dessen Haushälterin seine Urne nach Italien bringen muss. Dort sollen sie die Asche mit Hilfe der Besitzerin jenes Campingplatzes, wo Alfons jahrelang Wanderurlaube gemacht hat, auf dem Gipfel seines Lieblingsberges verstreuen. Werden die vier Personen seinen letzten Willen erfüllen?

Besetzung:
Bernadette Baldauf: Gabriele Truskawetz
Pfarrer Hubert Kaupa: Arno Knapp
Luise Markovsky: Anita Bock
Valentina Rossi: Vera Chlumetzky


Regie: Eva-Maria Hrica


Musik: Christian Bock
Fotos: Matthias Leonhard



Termine:

Montag, 31. Mai 2010
Dienstag, 1. Juni 2010
Sonntag, 6. Juni 2010
Montag, 7. Juni 2010
Donnerstag, 10. Juni 2010
Freitag, 11. Juni 2010
Sonntag, 13. Juni 2010 und
Montag, 14. Juni 2010

Eintrittspreise:

Normalpreis EUR 12,-
Ermäßigung EUR 10,-
(für Schüler, Studenten bis 27 und
Senioren ab 60 sowie Personen mit Behindertenausweis)

Weitere Informationen unter www.nonnobis.at

Der Inhalt:

Sobald sich der Fahrstuhl in Bewegung setzt, werden Sie all das hier vergessen haben, aber auf der Erde gibt es eine unbewußte Erinnerung an das, was außerhalb der Erde geschehen ist, eine tiefe Erinnerung, versteckt in den Windungen des Bewußtseins, die mit dem ersten Blick wiederkommt, in dem sich zwei Menschen, die sich ansehen, erkennen. Das nennt man: Liebe.

Ein seltsamer Empfangsbereich eines Hotels ohne Türen und Fenster, ein Lift, zwei stumme Angestellte – der Sportjournalist Julien hat keine Ahnung, wie er hierher gekommen ist und was er hier macht. Im Gespräch mit den anderen Gästen und dem geheimnisvollen Doktor S. erkennt er schließlich, dass dieses Hotel zwischen zwei Welten liegt, denn so wie die anderen Gäste liegt auch Julien im Koma, in einem Zustand zwischen Leben und Tod.
Vor diesem Hintergrund entspinnen sich Gespräche über die großen Themen des Lebens, entwickelt sich eine zarte Liebesgeschichte zwischen dem Pessimisten Julien und der lebensfrohen Laura. Doch ihr Aufenthalt hier ist nicht von Dauer – irgendwann müssen alle in den Aufzug steigen, ohne zu wissen, wo dieser sie hinbringen wird: hoch in den Himmel und in den Tod, oder hinunter auf die Erde und zurück ins Leben?

Thema

Das Stück "Hotel zu den zwei Welten" beschäftigt sich hauptsächlich mit zwei Themenkomplexen über die wir alle schon einmal nachgedacht haben: das Leben und den Tod. Wie führe ich ein erfülltes Leben? Was ist mein Beitrag dazu? Was passiert nach diesem Leben? Gibt es noch andere Leben? Wie ist der Tod? Gibt es ein Leben nach dem Tod? Wie sähe ein solches Leben oder eine solche Existenz aus? In welcher Weise existiere ich dann? So viele Fragen und noch mehr werden in diesem Stück behandelt. Éric-Emmanuel Schmitt, französischer Autor und Philosoph, nähert sich ganz behutsam diesen sensiblen Themen und bietet Vorschläge zu einem neutralen Umgang mit ihnen ohne Verzweiflung oder das Gefühl der Ohnmacht. Schmitt möchte den Menschen mit seinen Werken helfen:

"Sagten nicht Molière und Racine in ihren Vorworten, dass das Theater die Kunst des Gefallens sei? Und gefallen heißt nicht verführen, sondern den anderen respektieren, Interesse in ihm wecken wollen, ihn mitnehmen, ohne seine Hand loszulassen; und weiter: ihn bis zum Ende begleiten, … Zu viele Autoren begnügen sich damit, Verwirrung zu stiften und lassen einen dann auf halbem Weg stehen."
(Zitat: http://www.eric-emmanuel-schmitt.com/de/)

Er macht Vorschläge in welche verschiedenen Richtungen ein bestimmter Themenkomplex gedacht werden kann. Ein Leitgedanke im "Hotel zu den zwei Welten" ist das Lernen, mit der Unwissenheit zu leben und der liebevolle Umgang mit der oft so verhassten Ungewissheit.
Des Weiteren spielen die Emotionen in Schmitts Werken eine bedeutende Rolle:

"Mit der Emotion nehmen Sie den Zuschauer an der Hand und auf intellektueller Ebene führen Sie ihn zu etwas anderem hin. Auch ein intellektuelles Theater muss sich auf Emotionen stützen."
(Zitat: http://www.eric-emmanuel-schmitt.com/de/)

Es wird sehr menschennahe und persönlich dargestellt, wie sich die unterschiedlichsten Charaktere in einer abstrakten Welt zwischen Leben und Tod verhalten, und wie sie damit umgehen.

Der Autor

Eric-Emmanuel Schmitt, der am 28. März 1960 in Sainte-Foy-lès-Lyon geboren wurde, gehört mittlerweile zu einem der weltweit meistgelesenen und meistgespielten französischen Autoren.
Er studierte in Lyon und Paris, und promovierte in Philosophie mit dem Thema "Diderot und die Metaphysik". Im Anschluss unterrichtete er drei Jahre lang in Cherbourg und an der Universität in Chambéry, ehe er als Theaterautor mit dem Stück "Der Besucher" bekannt wurde. Es folgten zahlreiche weitere Theaterstücke – darunter auch "Hotel zu den zwei Welten" –, die von Publikum und Kritikern gleichermaßen gut aufgenommen wurden.
Eric-Emmanuel Schmitt schrieb auch mehrere Romane und Erzählungen, in denen das Thema Religion und Glaube einen wichtigen Platz einnimmt. Sein bekanntestes Prosawerk ist die Erzählung "Monsieur Ibrahim und die Blumen des Koran", die 2003 verfilmt und 2004 mit dem Deutschen Bücherpreis ausgezeichnet wurde.
Derzeit lebt Eric-Emmanuel Schmitt, der neben der französischen auch die belgische Staatsbürgerschaft besitzt, in Brüssel.

Fakten

Leben ist nicht selbstverständlich, es ist ein seltsames Geschenk, das man, bekommt man es zum zweiten Mal, besser zu schätzen weiß.
(Éric-Emmanuel Schmitt)

"Hotel zu den zwei Welten" (im Original "Hôtel des deux mondes") erschien 1999, und wurde im selben Jahr am Théâtre Marigny uraufgeführt. Seither wurde das Stück in über 15 Ländern in vielen verschiedenen Sprachen gespielt. Nach eigenen Aussagen weiß der Autor nicht mehr, wie ihm die Idee zu dem Hotel und dem Aufzug kam, er wurde aber beeinflusst durch Erfahrungen von Verwandten und Freunden, die im Koma lagen und nach dem Erwachen oft eine andere – positivere – Lebenseinstellung hatten.
(Quelle: http://www.eric-emmanuel-schmitt.com)

Diese positivere Einstellung zeigt sich auch an Julien: Er verlässt das Hotel als ein anderer Mensch als der, der es betreten hat. Die Zuschauer lernen ihn kennen als lebensverneinenden Menschen, und verlassen ihn als lebensbejahenden Menschen – unabhängig davon, ob ihn der Aufzug hinauf oder hinunter bringen wird.

Konzept

Im Sinne des Autors ist auch meine Inszenierung darauf ausgerichtet, den Menschen zu helfen. Wir lassen das Publikum nicht alleine mit den riesengroßen Gedankenbündeln um Leben und Tod. Es muss also eine Inszenierung sein, die Lösungsvorschläge bietet, und nicht nur Missstände aufzeigt, denn die meisten sehen die Probleme, haben aber keine Lösungen oder bekommen keine Ideen, wie Lösungen aussehen können. Somit wird möglicherweise erst gar nicht darüber nachgedacht. Wenn jedoch Lösungsvorschläge eingebracht werden, gibt das Ansporn zur Reflexion. Auf textlicher Ebene führten mich diese Überlegungen zu folgenden Fragestellungen: Wie kann dieser teilweise humorvolle, vor allem jedoch philosophische Text, der zum Nachdenken anregen und den Menschen helfen soll, bestmöglich in Szene gesetzt werden? Wie kann Text am besten verstanden werden? Welche Bedingungen müssen geschaffen werden? Und wie kann nonverbaler Text verbale Gestalt annehmen? In diesem Stück ist nicht nur Sprache für den Transport des Textes nach außen zuständig, sondern vor allem auch Mimik und Gestik in Form der Personen in Weiß, die stumme Rollen sind. Dabei verwandelt sich das scheinbar Unbedeutende, wie jemandem einen Schlüssel über den Tresen zu schieben, in etwas Bedeutendes und wird zum Informationsträger.
Wenn ich über den Text hinaus auch über die Gefühlswelten des Stückes nachdenke, eröffnet sich eine weitere Masse an Fragen: Welche Gefühlszustände durchwandern die Charaktere? Wie können diese Gefühlszustände nach außen getragen werden? Wie können diese Gefühlszustände dem Publikum helfen? Um Gefühle und Text passend in Szene zu setzen, beziehe ich mich auf den Grundgedanken des Theaters: sämtliche Künste spielen zusammen und ergeben ein Ganzes. Nicht nur Sprache, Mimik und Gestik sind von fundamentaler Bedeutung, sondern auch die Materialen, die die Charaktere umgeben, sei es in Form eines Bühnenbildes, Kostümes, oder in Form von Licht und Musik. Welche Materialen werden auf welche Weise eingesetzt, und wie verändert sich die Szene durch den Einsatz bestimmter Materialien? Hierbei spiele ich wieder mit Details. Die Welt mit Kinderaugen sehen, indem man sich lange mit Kleinigkeiten beschäftigen kann, wie mit einem einfachen Tuch. Wie kann ich es halten? Wie kann ich es verformen? Auf welche verschiedenen Arten und Weisen kann ich es betrachten?
Es geht in dieser Inszenierung nicht nur um Inhalte, Gefühle und das Spiel mit Materialien, sondern auch um Relationen. Die Relation der SchauspielerInnen zum Raum, der sie umgibt, zu den Materialien in diesem Raum und vor allem zu den anderen Menschen in diesem Raum. Dabei ergeben sich bestimmte Personen- aber auch Materialkonstellationen. Wie architektonische Bausteine bewegen sich die Charaktere zueinander und vermitteln in ihrer Konstellation bestimmte Gefühle, Texte und Subtexte, über die sie sich in dem Moment vielleicht noch gar nicht im Klaren sind. Da das gesamte Stück in einer Szene spielt, und die Charaktere also die gesamte Spielzeit in einem einzigen Raum zubringen, hat jeder Charakter in dem Stück bevorzugte Plätze in diesem Raum. Auch im realen Leben präferieren die Menschen meist eine Örtlichkeit in einem Raum. Dieser Vorgang muss nicht einmal bewusst stattfinden. Er zeigt sich schon bei einem Kaffeehausbesuch, wenn man die freie Tischwahl hat: wohin setze ich mich am Liebsten? Dies sagt etwas über den Menschen aus oder auch über den Zustand, in dem sich die jeweilige Person gerade befindet. Dabei ergeben sich des Weiteren die Fragen: Auf welche Weise kann ich mich wie auf welchen Gegenständen bewegen? Wie kann ich wo sitzen? Wie kann ich die Gegenstände noch verwenden als zu ihrem herkömmlichen Gebrauch?
Auch die Kostüme sagen viel über den Stückinhalt aus. Sie erklären, wie die Personen zu sich selbst und zu anderen stehen. Doktor S., zum Beispiel, wird von allen Charakteren anders wahrgenommen, dementsprechend sieht sie für jeden Charakter anders aus. Der Stückanfang suggeriert eine große Macht, die von Doktor S. ausgeht. Im Verlauf des Stückes muss sie sich und den anderen Personen eingestehen, dass sie gar keine Macht hat, und es stellt sich heraus, dass die wahre Kraft, die eine positive ist, den non-verbalen Personen in Weiß, die zunächst nur eine Dienerfunktion auszuführen scheinen, zugeschrieben ist. Aus diesem Grund bröckelt auch optisch die Fassade von Doktor S., während jene der Personen in Weiß an Prunk und Ausstrahlung zunimmt.
Licht und Musik schaffen mit ihren Mitteln die erwünschte Atmosphäre und runden somit das Bild ab.

Besetzung:
Doktor S.: Rita Dummer
Präsident Delbec: Peter Hochpöchler
Laura: Tina Pfeifer
Marie: Laura Schiller
Julien Portal: Klaus Schaurhofer
Magier Radschapur: Nardo Vogt
Personen in Weiss: Isabella Jeschke & Flora Resl


Inszenierung: Nicole Walther


Dramaturgie: Judith Oliva & Astrid Stangl
Produktion: Eva Drnek
Musik & Sound: Andreas Gabriel
Regieassistenz: Astrid Stangl & Susi Waidacher
Maske / Kostüm: Laura Schiller, Isabella Lukas & Elisabeth Orasch
Ausstattung: Kathrin Best



Weitere Informationen unter www.theatervereinvision.at

In einer Welt, in der ohnehin nur oberflächlich alles gut ist, deren goldener Schein längst angelaufen ist, findet sich das Selbst als einzige (unbeständige) Konstante wieder: Während eines Ferienaufenthaltes wird Fräulein Else von ihrer Mutter dazu gedrängt, den reichen Herrn von Dorsday um eine große Summe Geld zu bitten. Er willigt ein, das Geld zu überweisen, unter einer Bedingung: Er möchte Else nackt sehen.

"Ich verkaufe mich nicht, ich schenke mich her"

"Heute interessiert mich nicht mehr nur die Psyche dieser einen Figur des Fräulein Else, bedeutsam wird das Verhalten des Zuschauers, der voyeuristische Blick, der bereits im Text thematisiert wird, der aber auf der Bühne noch auf ganz andere Weise ausgestellt werden kann, insofern bereits das Theater an sich, ein Medium des Zu-Schauens, des Sehens und Beobachtens ist.", so die Regisseurin Andrea Imler.

Fräulein Else wurde in der Vergangenheit häufig als Monolog inszeniert. Diese Inszenierung arbeitet mit fünf Schauspielern. Die in der Novelle Schnitzlers angelegte Handlung wurde dabei auf das Wesentliche reduziert, insgesamt wurde der Text Schnitzlers zu einem Großteil übernommen, jedoch stark gekürzt und neu angeordnet. Der Bühnenraum tritt hinter den Text zurück, dieser wird durch Projektionen und Toneinspielungen unterstützt. Ziel ist es, einen audiovisuellen Flow zu erzeugen, eine Spirale, die Else immer weiter mit sich nimmt und nur ein einziges Ende kennt: Den Tod der Protagonistin.

In einer Bearbeitung und unter der Regie von Andrea Imler, in einem Bühnenbild von Nina Salak und Kostümen von Roshi Porkar spielen Daniela Zacherl, Kai Krösche, Sophie Prusa, Sebastian Schley und Miriam Torwesten.

Besetzung:
Fräulein Else: Daniela Zacherl
Dorsday: Kai Krösche
Paul: Sebastian Schley
Cissy: Sophie Prusa
Tante: Miriam Torwesten


Regie: Andrea Imler


Produktionsleitung: Elisabeth Gamperl
Produktionsassistenz: Joanna Przadka



Weitere Informationen unter www.stuthe.com

"Lagulist"

10 Min
Über ein Dorf nahe dem Schwarzen Meer
Regie: Vladimir Usachyov

"What was, that was"

20 Min
Beim Friedhof von Vagankovsky leben viele kuriose Subjekte, die reichlich interessante Dinge zu erzählen wissen…
Regie: Irina Volkova

"Small Katerina"

24 Min
Drei Jahre aus Katharinas Leben in einer Familie von Rentierzüchtern auf dem Hantiyskii Anwesen
Regie: Ivan Golovlyov

"Ark"

Dokumentarfilm über Sukhumi (Abchasien) und...

"Rehearsals"

Dokumentarfilm
Regie: Ada Kviraja

"Love street"

50 Min
Regie: Gennady Kurlaev

"Door" 2004

17 Min
Ein Vagabund gelangt an eine unverschlossene Haustüre und beschließt einzubrechen. Daraufhin verstrickt er sich in allerlei seltsame und komische Situationen…
Regie: Vladimir Kott

"Patches of lilac sun" 2004

16 Min
Das Mädchen Nika träumt davon, ihr kleines Provinznest zu verlassen und ihren Eltern und Alltagsproblemen zu entkommen…Es bleibt zu sehen, ob sie den Widrigkeiten trotzen kann, die ihr die große Stadt bereitet.
Regie: Evgeniy Bedarev

"Hotel" 2005

6,5 Min
Ein Mann betritt ein seltsames Hotel…

"Amateur video"

20 Min
Ein junger Mann mit Videokamera lernt ein Mädchen im Park kennen, beginnt, einen Amateurfilm über sie zu drehen, und verliebt sich in sie…
Regie: Serej Grjaznov

"Tomorrow is a Birthday"

12 Min
Monolog eines Teenagers
Regie: Larissa Bocharova

"Stain"

13 Min
Regie: K. Pavlov

"Old Man"

14 Min
Eine wahrscheinliche Geschichte aus dem fernen Sibirien
Regie: N. Arzhakov

"To Mother"

13 Min
Ein Spielexperiment. Die Armee und ihre Soldaten
Regie: Dushan Gligorov

"Greenhorn"

11 Min

"A Walk"

24 Min
Regie: Julia Kolesnik

"Flashback"

24 Min

"Meat"

15 Min
Regie: S. Ross

"The Neon Life"

5 Min

"Apiary"

50 Min
Regie: Andrey Kagadeev

"Dust"

90 Min
Regie: Sergey Loban

"Animal"

40 Min
Regie: Anzhelika Gritsuk

"A joke of an angel"

30 Min
Regie: Ildar Islamgulov

"Animation of young directors of Russia

30 Min The modular program of cartoon films of authors"

Synopsis:

Der Mann ist fremd in der Stadt, hat hier einen Termin. In einer anderen Stadt hat er Frau und Kinder. Er setzt sich kurz auf eine Bank. Eine Frau kommt auf ihn zu. Buchstäblich wirft sie sich ihm an den Hals. Er nimmt sie mit in sein Hotelzimmer. Der Termin ist schnell vergessen, und bald hat der Mann auch keine Frau und keine Kinder mehr und keinen Beruf, nur noch das Hotelzimmer und die Bank im Park, auf der er ab jetzt auf sie wartet.


Ist Liebe eine Geisteskrankheit?
In vier knappen Szenen zeigt das Drama Winter wie sich ein junger, braver Familienvater haltlos in einer Amour fou verliert. Für ihn wird aus einer zufälligen Begegnung das Ende seines bürgerlichen Daseins und der Beginn einer völligen Verausgabung im Liebeswahn.

"Die kunstvolle und doch schlichte Sprache von Jon Fosse hat mich sofort fasziniert", so Regisseur Nico Nothnagel. Als größte Aufgabe hat sich Nico Nothnagel gestellt diese, teilweise nur aus einzelnen Wörtern und vielen Wiederholungen bestehende Sprache möglichst alltäglich auf die Bühne zu bringen. Der Regisseur erklärt weiter: "Das Interessante für mich besteht in der Sprachlosigkeit im Stück, welche direkt auf die Vereinsamung und Entfremdung in der heutigen Gesellschaft projiziert werden kann."

Die Inszenierung ist das Regiedebüt des Schauspielers Nico Nothnagel, der zuletzt als Gast zum Ensemble des Maxim Gorki Theaters in Berlin gehörte. Weiters spielen die aus Bayreuth stammende Schauspielerin Wiebke Rohloff (Die Frau) und der aus Bielefeld stammende Schauspieler Can Fischer (Der Mann). Die Ausstattung stammt von Joanna Surowiec.

Winter wurde bereits mit großem Erfolg in Berlin sowie bei Gastspielen in Hamburg, Bielefeld und Paris gezeigt. Im März 2009 wurde die Produktion im Kleisthaus in Berlin wieder aufgenommen. Dort wurde die Inszenierung in Zusammenarbeit mit der norwegischen Botschaft zum Länderschwerpunkt Norwegen gezeigt.


Im Anschluss an die Vorstellung findet ein Publikumsgespräch mit dem Ensemble und dem Literaturübersetzer Hinrich Schmidt-Henkel statt.

Besetzung:
Der Mann: Can Fischer
Die Frau: Wiebke Rohloff


Regie: Nico Nothnagel


Regieassistenz: Carsten Stier
Abendspielleitung: Lissy Pernthaler
Bühne und Kostüme: Joanna Surowiec
Fotografie: Krzysztof Pukanski
Licht und Tontechnik: Claudia Rutz

Produzent: Lettrier



Weitere Informationen unter www.winter-fosse.de

Bild1 - Bild10 © 2008 Christian Enger, Hamburg

Nach der erfolgreichen Zusammenarbeit für das Album "density" haben sich Markus Kienzl und Tania Saedi erneut für die Produktion des Solowerks von Frl. Saedi zusammen getan...

Besetzung:
Irina Drăgănescu, Constantin Bojog,
Vlad Udrescu, Gabriel Constin, Şerban Gomoi,
George Albert Costea, Sorina Ştefănescu

Regie: Alexandru Dumitru Măzgăreanu

Rumänisch mit deutschen Untertiteln

Das Stück, zum sogenannten "Theater des Absurden" gezählt, liefert eine banale Geschichte. Der Sinn liegt in keiner eigentlichen Botschaft, sondern im Ereignis absurder Situationen, in der Darstellung absurder Verhaltensweisen.

Eine Schülerin kommt zu einem Professor am Lande. Sie ist Kind reicher Eltern, deren Wunsch es vor allem ist, dass ihr Kind Erfolg hat, wenn nötig, ihn kauft. Der Professor ist skurril, fast weltfremd auf sein Fachgebiet beschränkt und unterzieht die Schülerin einer eigentümlichen Lehr- und Prüfungsprozedur. Diese "Lektion" steigert sich zum Mord; wie man erfährt, war sie bereits das 40. Opfer. Das Dienstmädchen hilft dem Professor. Während der Professor seine Macht über die Schülerin ausübt, ist das Dienstmädchen die höhere Instanz, die über den Professor triumphiert.

Ein Stück über Gewalt, Macht und Sozialverhältnisse, die Sprache und die Problematik möglicher oder unmöglicher Verständigung. Unter der Oberfläche absurder Szenerie verbirgt sich eine pessimistische Sicht über die Entfremdung, die fehlende Authentizität.

In der Inszenierung von Geirun Tino wird eine neue, andere Interpretation vorgelegt: der Professor ist nicht der Vergewaltiger und Mörder, der einfach sein Opfer niedermacht, sondern ein Sprachbesessener, der den Traum hat, Sprache könne Sinn und Welt konstituieren und Verständigung wäre wirklich möglich. Der Misserfolg führt nicht zum Mord durch ihn, sondern zum Mord durch das Wort, die Sprache: es ist die Erkenntnis, die tötet.

Besetzung:
Professor: Vlad Vasiliu
Schülerin: Petronela Buda
Dienstmädchen: Liliana Lupan

Regie: Geirun Tino

Japanisch mit deutschen Untertiteln

Nicholas Barter, Mitglied der Royal Academy of Dramatic Art, Drama Director of the Arts Council of Great Britain, Regisseur in vielen englischen Theatern, wie dem Oxford Playhouse, Sheffield Crucible, Birmingham Rep, Piccadilly Theatre, usw., unternimmt mit seiner kürzlichsten Inszenierung des bekannten Stoffes von "Perikles" von William Shakespeare in japanischer Sprache eine Tournee durch Österreich (gespielt wird im Pygmalion Theater Wien), Ungarn, Rumänien und Bulgarien, bevor sein Stück am Tokioter "Haiyu-za" Theater Ende September 09 aufgeführt wird.

Synopsis:

Gower - als Chor - führt durch die 16 Jahre umspannende Geschichte des Perikles. König Antiochus von Antioch gibt den Freiern seiner Tochter ein Rätsel auf, welches Perikles, Prinz von Tyrus, als erster zu lösen imstande ist. Perikles verlässt Antioch, doch Antiochus sendet ihm einen Mörder hinterher. Perikles bittet Helicanus, sein Königreich während seiner Abwesenheit zu leiten, und geht auf Reisen. In Tarsus hilft er Cleon und Dionysa, eine Hungersnot zu beenden. In Pentapolis wird er von Fischern aus einem Schiffswrack geborgen, nimmt am Wettkampf um die Prinzessin Thaisa teil, und heiratet diese. Einige Monate später sterben Antiochus und seine Tochter. Perikles und Thaisa segeln daraufhin zurück nach Tyrus. Thaisa ist schwanger, gebiert während eines großen Unwetters eine Tochter, Marina, und stirbt. Die Seeleute bringen den Leichnam Thaisas in einer Kiste unter, und werfen diese ins Meer. Die Kiste gelangt nach Ephesus, wo Cerimon Thaisa wieder zum Leben erweckt. Diese wird Diana-Priesterin. Perikles übergibt Marina an Cleon und Dionysa, um diese von den beiden erziehen zu lassen. Sechzehn Jahre vergehen, und Dionysa, welche zornig darüber ist, dass Marina beim Volk beliebter ist als ihr leiblicher Sohn, fasst den Plan, Marina töten zu lassen. Marina wird von Piraten gefangen genommen, und zu Kupplern nach Mytilene gebracht. Diese möchten sie mit dem Herrscher Lysimachus verbinden. Perikles, außer sich vor Trauer über den Verlust Marinas, beginnt umherzureisen. Am Diana-Tempel angelangt, offenbart sich Perikles die Priesterin als Thaisa. Marina und Lysimachus werden Königin und König von Tyrus.

Besetzung:
Perikles: Hideaki Ishii
Simonides, Cerimon: Hajime Mori
Thaisa, Marina: Atsuko Ogawa
Antiochus, Boult: Gouki Ogawa
Helicanus, Cleon: Kiyomitsu Mizuuchi
Dionysa, Bawd: Yuko Yamashita
Lord, Seemann: Hiroaki Tanaka
Thaliard, Lysimachus: Haruo Sekiguchi
Escanes, Leonine: Ryusuke Saito

Regie: Nicholas Barter

Vier Personen, ein Zugabteil. Eine gemeinsame Reise als Ausgangspunkt…

Vier einander fremde Personen sitzen zusammen in einem Zugabteil. Diese gemeinsame Reise ist der Ausgangspunkt für die Geschichten, die der Wiener Autor Jorghi Poll in seinem Werk "Die Hängenden Gärten" erzählt und das am 6. Juni im Pygmaliontheater in Wien als Welturaufführung auf die Bühne gebracht wird. Die Geschichten erzählen von Mord und Grausamkeit, aber auch von Liebe und Hoffnung.

"Hoffnung? Worauf?" heißt es im Stück. "Auf die Menschen vielleicht" so lautet die Antwort.

Regisseurin Karoline Hartel ("Rattenkinder", UA 2007, Wien) begibt sich in ihrer zweiten Regiearbeit auf eine Spurensuche nach Identität, Nähe und Distanz. Was sind das für Gärten, nach denen man sucht? Was passiert mit Geschichten, die man erlebt, aber nicht erzählen kann? Wo liegen die Grenzen zwischen Wahrheit und Fiktion, zwischen Leben und Träumen?

Ein Tagebuchschreiber (Kilian Klapper) flüchtet sich in Traumwelten, während die ihm gegenüber sitzende Sozialarbeiterin (Katrin Hammerl) einen geheimnisvollen Brief liest. Ein junges Mädchen (Charlotte Krempl) fährt in seine Heimat zurück und sitzt neben einem Dieb (Karim Rahoma), der für seine Taten büßt, aber nicht aufhören kann zu stehlen. Hartels Inszenierung konzentriert sich auf die Wahrnehmung der Figuren und stellt eine Grundfrage des Theaters: Welche Möglichkeiten gibt es, um eine Geschichte zu erzählen?

Der Titel "Die Hängenden Gärten" verknüpft das Bild des untergegangenen Weltwunders mit den Innenwelten der Figuren, ein Garten, der sich aus Erinnerungen und Erzählungen konstituiert. Das Publikum wird auf eine Reise mitgenommen und mit einem komplexen Wechselspiel konfrontiert, in dem nicht nur die Figuren verschiedene Rollen einnehmen, sondern auch die Trennlinie zwischen Wahrheit und Lüge aufgehoben wird. Es ist nicht mehr wichtig, ob die Geschichte stimmt oder nicht. Oder wie der Tagebuchschreiber formuliert: "Phantasie. Was hab ich sonst noch?"

Mit APOSTOL MILENKOV (Bass) und WOLFGANG SCHILLY (Rezitator)
Am Klavier: PLAMEN STOYANOV

Leiter/Inszenierung: Prof. Theodore Coresi

Das Programm

I. Teil

ANTONIN DVOŘAK (1841-1904) - Biblische Lieder, opus99

1. Rings um den Herrn sind Wolken und dunkel
2. Sieh auf mich, denn Du bist mein Schutz und Schild
3. Gott, erhöre mein inniges Fleh'n
4. Gott ist mein Hirte
5. Herr, o mein Gott, laß ein neues Lied mich Dir singen
6. Hör, o Vater, wie ich Dich bitte
7. An den Wassern von Babylon
8. Wende Dich zu mir, sei gnädig meiner Not
9. Mein Auge hebt zu den Bergen sich
10. Singet ein neues Lied


II. Teil

Pjotr Ilitsch TSCHAIKOWSKI (1840-1893)

1. Kein Wort,o mein Freund
2. Wahnsinnige Nächte
3. Mitten im lärmenden Ball
4. Nur wer die Sehnsucht kennt...
5. In der Dämmerung
6. Nachtigall
7. Es war zu Beginn des Frühlings
8. Das schwache Kerzenlicht erlischt
9. Serenade des Don Giovanni
10. Ich segne euch Wälder...